A XIX. Század nyolcvanas éveinek norvég festészetében a “gyermekek” témája nagyon népszerű, különösen a művészek gyakran a szenvedő, megfosztott vagy beteg gyermek motívumait választják. Amikor 1886-ban Munch “A beteg gyermek” festményét a Christiania Painters őszi kiállításán mutatták be, váratlanul kellemetlen véleményeket váltott ki: a művészeti közösséget nem a témaválasztás, hanem a vászonra ösztönözött felháborodása okozta. Munch festői képessége megdöbbent még a látnivalókat látó kritikusokat, akik első kézből tudták a francia impresszionisták kísérleteit.
A művész a levél nagyon eredeti textúráját szemlélteti, teljesen kis karcolásokkal borítva, melyeket kés vagy spatula segítségével felvitt a festékrétegre. Sőt, minden új réteg egyre intenzívebb és mélyebb “lyukakat” tartalmaz, jelezve a szerző egyre növekvő érzelmi stresszét a kép kidolgozása során.
Ha a kritikusok tudnának arról a személyes tragédiaról, amelyet Munchnak ifjúkorában kellett elviselnie, valószínűleg humánusabban kezelték volna a Beteg Gyermek szerzőjét, és nem vádolták volna őt a motívum szándékos, fizikai dramatizálásáért. Valójában egy súlyos betegségtől elhunyt gyermek témájára utalva a művész mentálisan visszatér egy szörnyű időbe, amikor szeretett nővére, Joanne Sophie, aki 1887-ben tuberkulózisban halt meg, lassan elhalt a szeme előtt.
Ezt a mélyen intim és visszafogott jelenetet tompa szürkés árnyalatokban hajtják végre. A sápadt bőr, amelyet a páciens arca vöröses haja szinte átlátszónak tűnik egy nagy fehér párna hátterében. A lány ruha és az ölében fekvő köpeny megerősíti a kép “passzív” hangját. A szomorúan meghajolt alak sötét ruhában szinte összeolvad a háttérrel, a száradást és a halált szimbolizálja.
Ez a festmény különbözik Munch későbbi alkotásaitól a realizmus iránti elkötelezettségében, bár itt is észrevehető elsődleges érdeklődés mutatkozik egy ember belső élményei iránt, nem pedig külső megjelenése iránt.